――前作のテーマ「氷河期」は三船さんがずっと温めていたアイディアだったそうですが、今作では80年代～90年代のSF映画をインスピレーション源のひとつに挙げています。まずはそのアイディアがどんな風に生まれたのかを教えてもらえますか？

三船雅也（Vo, G） 僕らが小さい時って、週末の夜の時間帯にテレビで映画をやってましたよね？　今は割と少なくなってきましたけど、そういう時って決まって『ターミネーター』とか『ロボコップ』とかで、淀川長治さんが「サヨナラサヨナラサヨナラ」って言ってるのをよく観てて。それに、母がもともと好きだったというのもあって、僕は東宝の特撮もの……『ウルトラマン』とか『ゴジラ』とかもすごく好きだったんです。（作品の）舞台を作る人や火薬をコントールする人みたいな、コンピューターが入ってくる前の特撮映画の裏方に憧れて、そういう職業を目指そうかなと思った時期もあって。というのも、小さい時は「ゴジラを倒したいから自衛隊に入らなければ」とか思ってたんですけど（笑）、（成長するにつれて）ゴジラなんていないことに気づき、裏方に憧れるようになっていったんです。

――ははは（笑）。

三船 で、10代の頃、コンピューター・グラフィックの時代になって、それだけをメインに働く人たちがいなくなっちゃったことがわかり、軽く絶望したりとかもしていて。今回は、そういう時代の、サイファイなものに興味を惹かれたんですよ。音楽でいうと、たとえばTOTOだったりマドンナだったり、シンディ・ローパーだったり。ブロンディはちょっと違うけど……「下手でも音楽はできるぜ」ってグランジとかが出てくる前の、技巧派のセッション・ミュージシャンたちが演奏していた時代ですよね。たとえば、90年代でもウォルト・ディズニーのエンディング・テーマとかはスローなバラード系が多くて……。

Toto - Pamela

Cyndi Lauper - Girls Just Want To Have Fun

――確かにそうですね。

三船 僕は一時期、そういうのはすごくダサいと思ってたんですよ。10代の頃は、「あのゲートがかかったスネアとかは絶対やらない」って思ってて。でも今回は、「そういうものに向き合う時がきたな」と思った。過去に自分がそういう音楽を聴いてたことにも気づいたんです。たとえばサザエさんのBGMでもだいたいシンセが鳴っているし、ナチュラルな響きじゃないシンセサイザーの音色って、意外と耳にしてたんですよね。知らず知らずのうちにそういうものを吸収していた。そう考えると、自分の原体験としても無理がないのかな、と思ったんですよ。

――前作の「氷河期」は、モチーフとしては日常からはかけ離れた場所を連想させるものだったと思うんですが、今回のテーマはむしろ思い出や実体験から出てきたということですか？

三船 うーん、確かに「氷河期」のモチーフは自分の生活からは遠いものなんですけど、でもアルバムを作っていたときは、「僕が生きている半径何キロメートルの世界」がそういう風に見えていたんですよ。それで、「13年に日本で音楽をやっている僕らに、現実的に氷河期がきたら」と仮定したらマッチするかなと思って作った作品で。今回は、幼少期に観ていたハリウッドのサイファイ・ムービー……『2001年宇宙の旅』とか「エイリアン」とか、ギリギリまだコンピューター・グラフィックスが入る前のああいう作品のイメージですね。今思うとちょっとチープな感じでレトロ・フューチャーかもしれないけど、僕が幼少の頃はあれが本物の未来だと思ってたし、いつか核戦争が起こって穴ぐら暮らしになるんじゃないかとか、機械対人間の戦争が起きるんじゃないかって思っていて。ちょうどその後、ノストラダムスの大予言があったり、オウム真理教や2000年問題が出てきましたよね。それで、バブルも終わってまだ混沌としているなかで、きっと自分の将来も安定しないんだろうなっていう風にちょっと思っていた。でも、意外と全然そんなこともなく、順調に大人になって……。

――なるほど。

三船 で、今はシリコンバレーで起きていることが一番クールなこととされるようになって。そこで起きている爆発が世の中を取り巻いて、音楽もCDやアナログよりSpotifyやApple Musicで聴いた方がイージーにアクセスできる環境ができていますよね。スマートフォンのたった何インチかのディスプレイの中で、自分がアップした写真やSNSでつぶやいたこと、他人がどこにいるかがライブラリになって、それが企業に売られていたりする。もちろん、そういうたくさんの情報が集まることによって、ものすごく急速な進化が起こっているわけですけど、そんな環境のなかで、隠れて生きていくことがますます難しくなってきたなって思うんですよ。僕はテクノロジーが進化するのは大賛成だし、（その行方が）超楽しみなんですけど、同時に恐怖も出てくると思うんです。たとえば、スマートフォンでかわいい我が子の写真を撮っているお母さんがいたとして、もしかしたらそのスマートフォンに使われているレアメタルは発展途上国の若い子たちを低賃金で雇って採取したものかもしれない。それは「果たして幸せな日常なのかな」とか。「でも、別に幸せになる必要もないのかな」とか。とにかく、その粗いドットで表示された画面のなかで何が起こっているのかぼんやりわかってくるところが、「SF映画と現代って案外遠くないのかもしれないな」って思って。その時に『ATOM』という言葉が急に、ヒュッと視界に入ってきたんです。

――「SF」と「現代」の接点になるような言葉といっても、他のものになる可能性も沢山あったと思うんですが、なぜ『ATOM』がいいと思ったんでしょう？

三船 ひとつは単純に、前作の『ROTH BART BARON'S "The Ice Age"』のようにヒッチコックの映画タイトル風にはしたくないっていうのがあって。一言で表わせる言葉はなんだろうと考えていて、「Atom」という単語の響きがずっと残っていたんです。「Atom」って一言だし、しかも手塚治虫先生の『鉄腕アトム』のおかげで日本人にはとても親しみのある言葉でもある。核とか原子っていう意味もあるけど、「nuclear」じゃなくて、もっと「自分の核になるもの」というイメージもあるし、使い方次第で色々な意味になる言葉ですよね。それに、「とかげ」とか「やまと」「ひみこ」とか……日本に中国の言葉が入ってくる前の、漢字を使う前の日本の言葉に少し似てるとも思ったんですよ。原子的に狩猟生活をしていた日本人が自分たちで使い始めたベーシックな言葉の響きって、意外と英語に近いんじゃないか、と思うんですよ。そういうことを考えていたら、ピースがカチっとハマるように、スムーズに決まったんです。前作が一筆書きで最初から最後まで繋がっているアルバムだとしたら、今作は一曲一曲が独立した作品なんですけど、それが『ATOM』っていうタイトルにヒュッとまとまっていったんですよね。

――アルバム全体をまとめる要素として、最初から考えていたわけではなかったんですか。

三船 全く考えていなかったですね。タイトルはひとりで考えて、みんなには言ってなかったし。全部レコーディングが終わった段階で言ったんです。

――へええ。SFっぽい曲名も沢山あるので、その辺りは最初から共有していたのかと思っていました。

三船 ”フランケンシュタイン(Frankenstein)”とかはカナダでレコーディングした時に、現地のミュージシャンやエンジニアに「1930年代のハリウッド版『フランケンシュタイン』のなかで博士がモンスターを生み出すシーンみたいにしたい」っていうのを伝えるために、仮タイトルとして付けたのが残っちゃったっていう。曲を作って、「こういうのができました」って伝える時には、色々なたとえを持っていくんです。紙に書いた文章や本とかを持ってきたりして、イメージを想像してもらいやすいようにはするというか。

――中原さんとはその感覚をどう共有していったんですか？

中原鉄也（Dr） アルバムの全貌がまだ全然見えていない時に、スタジオで「この曲はイメージは『ターミネーター』だから、サントラを聴いといて」とか、そういうやり取りがあって。「じゃあ改めて聴いてみよう……」って感じですね。デモ段階から曲のタイトルは副題含めて三船が考えたものが色々とあったんですけど、僕らはそれを見ながら自分たちなりのイメージを後乗せしていった感じでした。

――そうすることで、三船さんが当初意図していたものから変化させていく、と。

三船 そうですね。僕が漠然としたイメージで伝えるのは、そうするといい意味である種の勘違いをしてくれるからで、自分と違うアイディアが出てきた時が楽しいんですよ。レコーディングしたカナダでも、現地のミュージシャン達のアプローチが全然違って、ベースラインが後半ジャズっぽくなったりとか。でも、そういう意外な部分が出てきたら「あ、使おう」ってなる。”ショッピングモールの怪物 (Shopping Mall Monster)”も、最初はオルタナティブ・フォークというか、ウィルコみたいな感じにしようと思っていたのに、最終的には全然違う方向になったんですよ。他にはビョークみたいな曲にしようと思ってたのに全然そうならなかった曲もある。一番想定外だったのは”bIg HOPe”ですね。ゴッドスピード・ユー!・ブラック・エンペラーとかThee Silver Mt. Zion Memorial Orchestraに参加しているジェシカ・モスにヴァイオリンを弾いてもらったんですけど、曲のイメージを伝えたら「よくわからないから、指揮してよ」って言われて（笑）。ダニー・ケイのNYフィルの指揮くらいしか観たことのない僕がいきなりやらされて、しかも下手くそだから「違う！」って怒られたりして（笑）。

Wilco - Misunderstood

Godspeed You! Black Emperor Live at The Metropolis

――（笑）。

三船 でも、元々生のストリングスを入れたいと思ってショボいMIDI音源で入れていたものと彼女のアプローチは全然違って、生き物みたいに弾くので、もうめちゃくちゃ感動しちゃって。レコーディングが終わった後、泣いちゃいました。あれはイメージを伝えた先に衝撃みたいなのものを感じられた瞬間でしたね。

――“ふたり”というのはユニットの最小単位ですが、マンツーマンで作っていくということは、４～５人編成のバンドと比べて、お互いに「ここまでいったら完成」というボーダーラインがはっきりと存在していそうな気もします。

三船 それはそうですね。確かに基準みたいなものはあります。ただ、明確に設けているわけではないし、具体的にはあまり話し合わないんですよ。僕はこのアルバムのために30曲くらい作ったんですけど、それを投げていい反応を返してくれるのってほんとに少ししかなくて。だから上手く説明はできないですけど、なにか化学反応のようなものが起こる基準みたいなのがあるんだなっていうのは感じてますね。

――付き合いが長いからこそ、そこを明確にしなくても肌感覚でわかるという感じですか。

三船 どうなんですかね、そういうのもあるのかな。僕らはもともと中学の同級生で、ふたりともテニス部で、ダブルスでペアを組んでいたんですよ。ずっと３年間試合を一緒にやっていて、部活を引退して卒業したあと各々別々の道へ行き……その時は音楽をやろうとも全然思っていなくて。で、20歳か21歳くらいの頃に再会するんです。その時は学校もバラバラなんですけど、僕はその間にPCで音楽を作るようになっていて、彼の実家にアップライトのピアノがあったんで、音源を持ち込んだり、新譜を貸し借りとかするようになって。で、その後「スタジオに入ってみるか」ということになって、持ち曲がないからニュー・オーダーをひたすら練習するっていう（笑）。ROTH BART BARONは、そうやって遊んでいくなかでバンドになっていたんです。だからバンドとしての時間よりも、一緒にゲームをやってた時間の方が長かったし、最初は全然音楽の話もしていなかったですね。全部再会してから始まった感じで。

――お互い、もともと音楽は好きだったんですか？

三船 そうでうすね。でも中学生の頃って、共通の話題は部活とかだったので。しかも結構厳しめの部活で、常にそっちのことを考えていたような気がしますね。あの頃はシンプルな人生でした（笑）。

――一緒に音楽をやっていくなかで、お互いのミュージシャンとしての個性も分かってきますよね。

三船 （中原は）基本的にあんまり感受性を外に見せないというか、なかなか感化されないんですよ（笑）。自分が中心で、動かない。頑固とも違うんですけど、そこがある種周りの音楽をやっている人との違いというか。彼は自分の中でのヒーローもいないし、そういうところが……何ていうか、強いんです。周りの音楽にも悪い意味では影響されないし、「ドラムはこうあるべきだ」みたいなものもないし。そこがすごく面白いなって思います。

中原 三船はすごく知識があるので、毎回驚かされるというか。バンドをやっていくなかで浮き沈みもあるんですけど、沈んでいる時でも彼は根がすごくポジティヴなので、そういう部分にも励まされたりしますね。そういうのが続けられる原因なのかもしれないです。僕は三船に比べるとこれまで熱心に音楽を聴き続けてきたわけではないんですが、彼が作る音楽はいわゆるJ-POPみたいなものとは全然違うところにあって、対バン相手でも自分たちのような音楽性のバンドにはなかなか巡り合わないし、そういう点はおもしろいなって思いますね。自分の世界観がしっかりあって、自分を表現しているっていうのは一緒にやっててすごく励まされるし。

三船 最初の関係は友人でありながら、今では仕事のパートナーになっていく中で、何とも言えない絶妙な接し方になっているというか。それがすごく面白いし、普通の友人にそこまでは求めないだろうって部分もあったりするのが、健全でいいなと思うんですよね。でもやっぱり部活で一所懸命練習してきて、試合で「次の一球にチーム全体の勝ち負けがかかっている」とか、そういうことを経験してきているから……不思議な感じなんですよ。変わったと言えば変わったと言えるし、どっちかっていうとその頃の関係が続いているって気もする。だから、他の人に説明するのは難しい（笑）。

――『ATOM』を作ってみて、これらについてはどんな可能性を感じていますか？

三船 たまたま海外でレコーディングしたりツアーしたりすることができたのもあって、「フィラデルフィアでレコーディングがしたい！」って言っていた僕らのように、「日本でレコーディングしたい」とか「日本にツアーをしに行きたい」っていうバンドが世界中に驚くほどいることがわかったんですよ。そこで培ったり影響を受けたものを、ちゃんと日本に持ち帰りたい。たとえば僕らが東京にスタジオを作って、「じゃあうちのスタジオでレコーディングして、泊まっていけよ」って言えるようになるのが大きな夢ですね。直接世話になった本人たちには恩返しできないかもしれないですけど、そういう人たちに対して自分がしてあげれることってなんだろうって考えた時に出てくるのはそういうことです。今のいわゆる「東京インディ」って呼ばれている人たちの中でも、頑張っているけど、それが日本の中だけで止まっているように見えるのはもったいないと思うし。「海外がいい、日本はダメ」という話ではなくて、これだけ世界がフラットになってきている中で、僕らの感覚では「フラッと大阪行ってきた」みたいなことと同じ感覚でカナダとかアメリカに行っているわけなので。

――なるほど。

三船 それに、僕らが（ツアー先で）出会ったタイとかインドネシアのミュージシャンも、視線が外へ外へと向かっていて、平気で自分たちが日本でも通用すると思っている。そういうことがナチュラルにあるのに、日本の人たちって変に頭が良いからそれができてないんじゃないかな、と思う部分があって。でも、たとえば数年前にアメリカのインディ・シーンで爆発のようなものが起こって、僕もそれにすごく影響を受けたんですけど、じゃあ日本で爆発が起こったらそれを世界へと伝えないのか、って思うんですよ。空気が淀んで水が腐る前にってわけじゃないけど、そういうものをちゃんと循環させたい。そこで、スタジオを設けて、今までぼくらが培ってきたものを同じように世界中で肩身の狭い思いをしている人たちと共有したいっていうか。僕らの音楽が好きな人が東京に何百人いる、大阪に何百人いる、名古屋に、金沢に、北海道に……っていうのと同じように、それがインドでも他の国でもっていうことが起きればどこへだってツアーに行けるし、そういうことができることが大事だなって。あと、僕らは東京に住んでいるので、地元のバンドと海外のバンドがコミュニケーションできるフェスみたいなものができればいいとも思いますね。どんなに手作りな規模でもいいから、自分がいいと思えるバンドやアーティストを呼べる環境を作りたい。なかなか難しいとは思いますけど、理想は失いたくないので。

――国境みたいなものではなく、共鳴する同じ価値観で繋がっていきたい、という感じですか。

三船 そうですね。もちろん、日本でももっと見てみたい場所がいっぱいあります。今回のツアーは北海道から鹿児島まで行くけど、北海道って言ってもすごく広いし。頭がいい人は「こことここは近いから集客をまとめて……」と考えるのかもしれないけど、僕らは色々なところへ行きたいと思ってますね。

中原 僕も三船と同じように、日本だけじゃなくて、海外でもどんどんツアーをできるようなバンドになりたい。それがひとつの目標ですね。日本だとプロモーションしてもそれが世界へと繋がらないことが結構ある気がするんですけど、海外だったらシアトルのKEXPに出たことが世界中のフェスへ出演するキッカケになったりするじゃないですか。そういう意味で国境を超えたい、というのはあります。あと、バンドのひとつの目標としてコーチェラ・フェスティバルに出たい、というのがあって。サスカッチでもいいし、グラストンベリーでもいいですけど、そういうことのためにも、海外のバンドを日本に呼べるようなバンドになれたらいいな、と思います。